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Name: Patrick Vale

Artist Patrick Vale with student

Courtesy of the artist

Patrick Vale: „Ich glaube, es gibt ein universelles Bedürfnis, das Menschliche wieder an die Wände zu bringen.“

Das Wandbild „This Is My Philly“ fällt mit den Feierlichkeiten zum 250-jährigen Jubiläum von Philadelphia zusammen. Während die Stadt auf ihre Geschichte zurückblickt, rückt Ihr Werk die Jugend in den Mittelpunkt. Welche Bedeutung haben die dargestellten jungen Menschen für Sie im Zusammenhang mit diesem historischen Jubiläum? 

Bei großen Jubiläen wie dem 250-jährigen besteht wohl der Drang, zurückzublicken – die Gründer, die historischen Ereignisse oder die alte Architektur darzustellen. Der erste Teil dieses Wandgemäldes hat bereits viele dieser historischen Anekdoten aufgegriffen. Für diese Phase dachte ich mir daher: Gibt es eine bessere Art, die Geschichte einer Stadt zu feiern, als den Blick auf die Kinder zu richten, die sie einmal erben werden? Anstatt 250 Jahre zurückzublicken, wollte ich die Kamera nach vorne richten. Diese Porträts und ihre Zeichnungen fungieren als Zeitkapsel für die Jugend des Jahres 2026. Es ist ein Ausbruch von ungefiltertem Optimismus für die Zukunft.

Das Kunstwerk befindet sich an einem zentralen Ort. Weißt du schon, wie die Passanten auf dein Wandbild reagieren? 

U-Bahnen sind normalerweise Orte, an denen die Menschen mit gesenktem Kopf auf ihre Handys starren und zur Arbeit eilen. Aber selbst als wir dort unten arbeiteten, blieben die Leute ständig stehen, um mit uns zu plaudern. Jetzt, wo es fertig ist, glaube ich, dass diese riesigen Porträts den Arbeitsweg auf sanfte Weise unterbrechen. Die Kinder blicken den Betrachter direkt an, daher ist es schwer, einfach vorbeizugehen, ohne ihren Blick zu erwidern. Es ist nicht aufdringlich, fordert aber ein wenig Aufmerksamkeit. Hoffentlich kommen Passanten vorbei, sehen diesen ungehemmten kindlichen Stolz und nehmen ein bisschen von dieser Freude mit in den Zug.

Courtesy of the artist

Courtesy of the artist

Sie haben über mehrere Monate hinweg Workshops mit Schülern der La Salle Academy durchgeführt. Wie hat die Zusammenarbeit in der Praxis funktioniert – haben Sie den Jugendlichen konkrete Zeichenaufgaben gestellt oder ihnen freie Hand gelassen?

Ich habe es sehr offen gehalten. Die einzige Vorgabe, die ich ihnen gegeben habe, war, ein Plakat zu entwerfen, das auf den Satz „This is my Philly“ eingeht. Ich wollte sie nicht beeinflussen oder ihnen vorschreiben, was sie zeichnen sollen; ich wollte einfach nur ihre authentischen Stimmen hören. Wir saßen zusammen, aßen Süßigkeiten, zeichneten gemeinsam und unterhielten uns. Sie haben mich wegen meines britischen Akzents ordentlich auf die Schippe genommen – jetzt weiß ich, wie man „wutter“ richtig ausspricht! Als es darum ging, ihre Zeichnungen in das fertige Wandbild zu integrieren, habe ich tatsächlich einen Projektor verwendet, um ihre Linien exakt nachzuzeichnen. Das ist etwas, was ich normalerweise niemals tun würde, aber ich wollte sicherstellen, dass ich nicht eigenmächtig handle und ihre Arbeit versehentlich mit meinem eigenen Stil übermale. Ich musste ihre unverfälschten Striche bewahren.

"Oh, die Ironie ist mir durchaus bewusst! Vor allem angesichts des bevorstehenden 250-jährigen Jubiläums – einer Feier dazu, dass die Amerikaner die Briten vertrieben haben!“

Philadelphia ist tief in der amerikanischen Geschichte verwurzelt, und doch hat die Stadt dich als britischen Künstler für dieses große öffentliche Projekt ausgewählt. Sind Sie stolz darauf, dass Ihnen diese Aufgabe anvertraut wurde? 

Oh, die Ironie ist mir durchaus bewusst! Vor allem angesichts des bevorstehenden 250-jährigen Jubiläums – einer Feier dazu, dass die Amerikaner die Briten vertrieben haben! Aber ehrlich gesagt war es eine unglaublich demütigende Erfahrung. Mir war von Anfang an sehr bewusst, dass ich ein Außenseiter war, daher bestand meine Aufgabe nicht darin, einfach so hereinzukommen und Philadelphia zu sagen, was es ist. Meine Aufgabe war es lediglich, zuzuhören. Durch die Zusammenarbeit mit den Jugendlichen von La Salle habe ich das Mikrofon im Grunde direkt an die Einheimischen zurückgegeben. Ich habe lediglich meine Fähigkeiten als Zeichner genutzt, um ihnen dabei zu helfen, ihren eigenen Stolz auf ihre Stadt zum Ausdruck zu bringen.

„Bristol ist großartig, um seine Wurzeln zu finden, aber New York hat diese intensive, unerbittliche Energie. Es ist laut und schnell, und die Stadt beflügelt die Arbeit gewissermaßen.“

Dein Weg führte Sie von Bristol über das Central Saint Martins in London nach Brooklyn. Was war damals der Auslöser für deinen Umzug nach New York, und wie unterscheidet sich die Kunstszene in New York von der in Bristol? 

In Bristol aufzuwachsen war großartig – es ist eine äußerst kreative Stadt. Aber als ich ein Kind war, reiste mein Vater oft geschäftlich in die USA und brachte Fotos und Bücher von den Städten mit. Für ein Kind in Großbritannien sah die amerikanische Stadtlandschaft aus wie eine Filmkulisse. Ich war geradezu besessen davon, sie zu zeichnen. Schließlich verschaffte mir meine Art, diese US-Umgebungen zu zeichnen, kommerzielle Aufträge, und es ergab sich die Gelegenheit, über den großen Teich zu springen – also habe ich sie ergriffen. Bristol ist großartig, um seine Wurzeln zu finden, aber New York hat diese intensive, unerbittliche Energie. Es ist laut und schnell, und die Stadt beflügelt die Arbeit gewissermaßen. Ich bin mir aber sicher, dass ich eines Tages nach Bristol zurückkehren könnte. 

„Am Anfang war mein einziger wirklicher Traum, irgendwie meinen Lebensunterhalt mit dem zu verdienen, was ich liebte, ohne einen „richtigen“ Job annehmen zu müssen!“

Ihr präziser Freihandstil ist heute Ihr Markenzeichen. Wie sind Sie ursprünglich zur Kunst gekommen, und welche Träume hatten Sie zu Beginn Ihrer Karriere und welche haben Sie heute? 

Wie die meisten britischen Kinder bin ich mit den Büchern von Roald Dahl aufgewachsen und war fasziniert von Quentin Blakes Illustrationen und später von Ralph Steadmans Werken. Ich liebte diesen schnellen, dynamischen, energiegeladenen Strich. In der Schule war ich ein sturer Kerl; letztendlich habe ich die meisten anderen Fächer ignoriert und hatte die Nase ständig in einem Skizzenbuch. Am Anfang war mein einziger wirklicher Traum, irgendwie meinen Lebensunterhalt mit dem zu verdienen, was ich liebte, ohne einen „richtigen“ Job annehmen zu müssen! Heute hat sich dieser Traum ein wenig verschoben. Jetzt, wo ich eine Plattform habe, möchte ich sie nutzen, um mehr Gemeinschaftsprojekte zu realisieren, dabei zu helfen, Geschichten zu erzählen, größere Wände zu bemalen und andere junge Künstler – wie die Kids in Philly – zu fördern, damit sie wahrgenommen werden. Außerdem möchte ich weiterhin besser darin werden, Hände zu zeichnen ;)

„Es braucht definitiv Zeit, seine Fähigkeiten mit seinem Kopf in Einklang zu bringen, aber sobald man seine eigene Stimme gefunden hat und seinen Prinzipien treu bleibt, kann man einen kommerziellen Auftrag umsetzen, ohne seine eigene künstlerische Identität zu vernachlässigen.“

Neben Ihrer bildenden Kunst arbeiten Sie regelmäßig mit weltweit bekannten Marken zusammen. Wie schaffen Sie den Spagat zwischen Ihrer eigenen künstlerischen Identität und den kommerziellen Anforderungen berühmter Labels? 

Als ich mit der kommerziellen Illustration anfing, war ich ehrlich gesagt einfach unglaublich glücklich darüber, jeden Tag aufwachen und zeichnen zu dürfen. Es hat mir wirklich Spaß gemacht, an Aufträgen mitzuarbeiten und meine speziellen Fähigkeiten einzusetzen, um ein visuelles Problem zu lösen oder die Geschichte eines Kunden zu erzählen. Im Laufe meiner Karriere habe ich jedoch ebenso großes Interesse daran entwickelt, meine eigenen Geschichten zu erzählen. Aufgrund dieser Entwicklung sehe ich mittlerweile keinen großen Unterschied mehr zwischen meiner bildenden Kunst und meiner kommerziellen Arbeit. Ich habe großes Glück, denn wenn Marken heute auf mich zukommen, tun sie das in der Regel speziell wegen meiner Zeichnungen und dessen, was ich zeichne. Ob es nun die geheime Markteinführung des Apple iPad + Apple Pencil in LA war oder das direkte Übertragen von Skizzen aus meinen Notizbüchern für eine Zusammenarbeit mit Paul Smith – Kunden wünschen sich meist genau diese authentische, ungeschliffene Energie, die ich ohnehin schon in meine Arbeiten einbringe. Es braucht definitiv Zeit, seine Fähigkeiten mit seinem Kopf in Einklang zu bringen, aber sobald man seine eigene Stimme gefunden hat und seinen Prinzipien treu bleibt, kann man einen kommerziellen Auftrag umsetzen, ohne seine eigene künstlerische Identität zu vernachlässigen. Außerdem gibt es keine Regeln – man muss einfach die Arbeiten schaffen, die man schaffen möchte, und abwarten, was passiert. 

„Überall verändern sich die Städte so schnell, und ich glaube, es gibt ein universelles Bedürfnis, das Menschliche wieder an die Wände zu bringen.“

Nun, da das Projekt in Philadelphia enthüllt wurde: Was sind Ihre nächsten Pläne, und werden wir Ihre Arbeiten bald wieder in Europa oder Deutschland sehen? 

Im Moment versuche ich gerade, im Atelier wieder zu Atem zu kommen, nachdem ich wochenlang an dem Wandbild gearbeitet habe. Aber ich habe mein Skizzenbuch immer in der Tasche und halte in der U-Bahn oder beim Spaziergang durch die Stadt Ausschau nach dem nächsten glücklichen Zufall. Ich würde diese Art von großformatigen, gemeinschaftsorientierten Arbeiten unbedingt gerne bald nach Europa und Deutschland bringen. Letzten Sommer war ich in München und hoffe, noch einmal dorthin zurückzukehren und die Stadt richtig zu erkunden, da es damals die ganze Zeit geregnet hat. Überall verändern sich die Städte so schnell, und ich glaube, es gibt ein universelles Bedürfnis, das Menschliche wieder an die Wände zu bringen.

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